爵士舞 (Jazz Dance) 并非一种单一的舞蹈，而是一部流动的文化史诗。它诞生于苦难，却用最富生命力的节奏呐喊自由；它从田间地头的集体狂欢，走上灯光璀璨的专业舞台，最终渗透进全球流行文化的毛细血管。从本质上讲，爵士舞是一种以爵士乐为灵魂、强调即兴、情感表达和身体律动的舞蹈语汇。它的核心特征是多中心节奏 (polycentrism)，即身体的不同部位可以同时跟随时值的不同节奏，以及一种从地面汲取力量、充满爆发力的低重心姿态。这不仅是技巧，更是一种源自非洲大陆的文化基因，是关于生存、融合与创造的故事。
爵士舞的第一个节拍，并非敲响于繁华的舞厅，而是回荡在横渡大西洋的奴隶船舱和美洲大陆的种植园里。数百万非洲人被强行带到新大陆，他们随身携带的，除了沉重的镣铐，还有铭刻在灵魂深处的节奏感和舞蹈传统。在非洲，舞蹈是社区生活、宗教仪式和个人叙事不可分割的一部分。它通常是接地的，双脚踏着大地，膝盖弯曲，躯干和骨盆随着复杂的鼓点律动，这与当时欧洲舞蹈挺拔、向上的美学截然不同。 在严酷的奴隶制下，非洲鼓被禁止，因为奴隶主畏惧这种强大的通讯工具。然而，节奏是无法被禁锢的。人们开始用跺脚、拍手、拍打身体（Pattin' Juba）来创造节拍，舞蹈成了他们保存文化记忆、释放情感和秘密交流的语言。这些源自西非的舞蹈基因，在这个被称为“新大陆”的文化熔炉里，与欧洲的民间舞（如方块舞、吉格舞）不期而遇。 19世纪末的新奥尔良 (New Orleans)，成为了这场文化融合的中心舞台。在这里，非洲裔美国人的社区发展出一种全新的音乐——爵士乐。音乐与舞蹈，如同孪生兄弟，爵士舞便在这种充满即兴、布鲁斯音阶和摇摆节奏的音乐中找到了最初的形态。它不再是纯粹的非洲舞，也不再是欧洲舞，而是一种全新的、充满生命力的美国本土艺术。
进入20世纪初，随着爵士乐的风靡，爵士舞也从社区自发性的娱乐，演变为席卷全国的社交舞蹈革命。这个时代，被称为“爵士时代” (Jazz Age)。
这一时期，爵士舞是属于人民的舞蹈。它在舞厅、派对和街头巷尾上演，是普通人日常生活的一部分。然而，另一条平行线索也正在展开——爵士舞的舞台化和专业化。杂耍秀 (Vaudeville) 和黑人剧团开始将这些充满活力的舞蹈搬上舞台，为了取悦观众，舞者们开始编排更具观赏性的动作，爵士舞的表演属性被首次发掘。
二战后，爵士舞的演化进入了一个决定性的转折点。它逐渐从社交舞池分离出来，演变为一种需要系统训练的专业表演艺术。这个转型的背后，是几位伟大的编舞家，他们共同定义了我们今天所熟知的“剧场爵士舞” (Theatrical Jazz Dance)。
在这些大师的塑造下，爵士舞拥有了规范的训练体系，被正式请入了舞蹈教室。它吸收了芭蕾的线条感、现代舞的地面技巧，但始终保留着其非洲根源中的低重心和多中心节奏。爵士舞，正式从一种“感觉”，变成了一门“技术”。
从20世纪下半叶开始，爵士舞进入了加速裂变和全球化传播的时代。它如同一块巨大的海绵，不断吸收着周遭的养分，演化出无数分支。
爵士舞的生命历程，是一个关于“融合”与“重生”的奇迹。它始于非洲文化的坚韧记忆，在美国的社会土壤中生根发芽，在百老汇的聚光灯下被精心雕琢，最终通过大众传媒的翅膀飞向世界。它不再仅仅是一种舞蹈，而是一种全球通用的身体语言，一种不断演变、永远年轻的文化符号。从镣铐的束缚到霓虹的自由，爵士舞的每一个节拍，都在讲述着人类对节奏、对表达、对生命本身最原始的渴望。